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La scala di seta – BAL 17: Critica
En una sala pequeña que nos transporta en el tiempo Buenos Aires Lírica revive la Farsa Cómica de un joven y prolífero Rossini en el Teatro Picadero. Crítica de Fernando Johann.
 
 
 

21.junio.2017

“La farsa (del latín farcire, ¨rellenar¨) es una forma dramática en la que los personajes se desenvuelven de manera caricaturesca o de situaciones no realistas” Ese es el primer renglón de wikipedia sobre el género que nos ocupa. Cuando vamos un poco más profundo encontramos que la farsa es además, un género operístico difundido entre la última década del siglo XVIII y las primeras tres del siglo XIX principalmente en Venecia y en Nápoles y en menor medida en el resto de Italia.
La scala di seta, estrenada el 9 de mayo de 1812 en el Teatro San Moisè de Venecia, cuando el compositor contaba con 20 años, se trata de una de las óperas de juventud de Rossini, quien compuso cinco óperas en tan sólo tres años: La cambiale di matrimonio, L¨inganno felice, La scala di seta, L¨occasione fa il ladro y Il signor Bruschino, ossia Il figlio per azzardo. Giuseppe Maria Foppa escribió el libreto para esta ópera de acto único del género Farsa Cómica, que como decíamos al principio, contaba con gran popularidad en la zona y para la época de su composición.
La historia comienza en la habitación de Julia: Una puerta al fondo con dos habitaciones a los lados. A la izquierda una ventana que da a un jardín.
A la derecha, una puerta abierta que da a una habitación. Una mesa cubierta por una manta, un escritorio, y sillas. Eso es lo que dice en el libreto, pensado para ser representado en una sala más cómoda y con un foso para acomodar a los músicos.
Cecilia Elías debió resolver esta situación en un espacio algo más comprimido y por lo tanto se vió obligada a la creatividad. La solución, impecable para este cronista, fue la de cambiar el tono y el recorrido de la historia para mostrarnos un universo de nueva interpretación en donde la bella estudiante Giullia, pupila de Dormont, es transformada a una diva de teatro del cual Dormont es director. Así las cosas Blansac, en lugar de ser simplemente el pretendiente que Dormont ha elegido para la damisela, es además flautista de la orquesta que nos brinda su música desde el propio escenario, a falta de foso en el Teatro Picadero. Los cantantes entonces interactúan con la orquesta en varias oportunidades lo que naturaliza exquisitamente el hecho de que todos están operando en dimensiones muy reducidas.
Lo que no cambia es que, desatendiendo los deseos del director, Giulia ya está casada Dorvil (amigo de Blansac) y que para mantener las apariencias, este sube por las noches a la habitación de Giullia y se desliza por las mañanas desde la ventana hasta la calle por una escalera hecha de seda. Debido al cambio de historia, la habitación de Giulia es en realidad un camerino dentro del teatro donde todo sucede, en la transición entre el siglo XIX y el XX.
La acción se completa con dos personajes que permiten el fluir de escena en escena, una, la prima de Giulia, Lucilla, que hace en esta realidad propuesta por Buenos Aires Lírica de asistente de vestuario o maquilladora, y por otro lado Germano (otrora un sirviente de la casa) que sí, claramente hace las veces de encargado de vestir a la Diva.
La performance de los cantantes fue pareja con un importante destaque en Guadalupe Maiorino (Lucilla) que aunque tuvo intervenciones más cortas que el resto destacó tanto en caudal como en calidez.
La intimidad de la sala del Teatro Picadero permite al menos tanto como limita. Una de las cosas que permite es el juego, la comedia, algo que el género exige y en ese espacio, Sergio Carlevaris (Blansac) se destaca. A Luis Loaiza Isler (Germano) se lo escuchó apenas lento por momentos, pero ciertamente tuvo momentos de brillo sobre todo en los momentos en los que cantó solo. El dúo con Constanza Díaz Falú (Giullia), aunque tiene corta duración, fue también de los momentos salientes de la noche.

En este caso los músicos estuvieron en el escenario dirigidos casi de frente al público por Carlos Davida Jaimes. El joven director de 31 años tiene un dominio firme de los 10 músicos y salvando un momento complejo con los vientos en la sinfonía, el contrapunto con los cantantes y también en las partes coreografiadas sonaron muy bien.
Este número no es frecuentemente presentado ni en Buenos Aires ni en el mundo. Injustamente considerado a veces “simple” y otras “breve” se han experimentado sin éxito diferentes empresas para lograr hacerlo popular. Creo que este embate de BAL es muy valioso en cuanto a traernos al joven Rossini de vuelta.
Los últimos versos de la ópera son con todos los personajes cantando y dicen más o menos así: Cuando el amor se hace sentir, el corazón se vuelve poderoso. Siempre aplasta con su poder, al que inútilmente le combate. Me parece un  mensaje que cuenta cómo vive esta compañía la ópera además de ser un final con muchísima energía.

 

Fernando Johann


Elenco: Constanza Díaz Falú (Giulia), Sebastián Russo (Dorvil), Luis Loaiza Isler (Germano), Guadalupe Maiorino (Lucilla), Sergio Carlevaris (Blansac) y Patricio Olivera (Dormont).
Diseño de escenografía: Rodrigo González Garillo Diseño de Vestuario: Julieta Harca Diseño de Iluminación: Ricardo Sica Puesta en escena: Cecilia Elías Dirección musical: Carlos David Jaimes, director asistente de la Orquesta Académica de Buenos Aires. Prensa: Octavia Comunicación  

 

 
 
 
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